Den 9:e världsutställningen av samogitisk konst, som hålls vart fjärde år på Plungė Manor, visar verk av mer än 80 av de mest kända konstnärerna från regionen.
Bland utställningens upphovsmän finns litauiska konstklassiker, liksom gästkonstnärer, de mest framstående samtida konstnärerna i världen och unga talanger.
Enligt konsthistorikern Dr Laima Kreivytė har ”Žilvinas Kempinas återvänt till sin hemstad Plungė genom en tidstunnel som han själv har skapat. Installationen ”Tūba” på Samogitian Art Museum är den längsta inkarnationen av verket. (…)
Här konstruerar Žilvinas en rymdtunnel, som är som ett maskhål som förflyttar oss till en annan tid och ett annat rum.”
Vi pratar med konstnären om hans arbete och hans sökande efter kopplingar till sin hemstad.
Under det senaste året har du glatt Litauen med ett antal kreativa projekt. Vilnius, Kaunas, Klaipėda… Slutligen har vi välkomnat dig till Plungė. Vad fick dig att välja att arbeta här, tillsammans med de andra författarna till den IX:e världsutställningen av samogitisk konst?
När Alvidas Bakanauskas (chef för Museum of Samogitian Art) bjöd in mig att delta i IX World Samogitian Art Exhibition var jag intresserad och tänkte att det föreslagna utrymmet i hästgården kanske skulle vara tillräckligt stort för att rymma ett av mina större verk
. Först tänkte jag inte på ”Tuba”, eftersom det kräver ett riktigt stort utrymme, men det är det verk som jag har velat visa i Litauen i många år, men det har inte visats än.
År 2009 var det bara de litauer som kom till Venedigbiennalen som såg ”Tūba”. Jag har hela tiden velat installera den i Litauen, men jag har fortfarande inte hittat någon lämplig plats.
När jag såg den här hallen, ett före detta häststall, insåg jag att det här är rätt plats.
Spelade det någon roll att ditt verk ”Tūba” skulle återupplivas i din hemstad?
Det är en fin tillfällighet att jag föddes i Plunge och att ”Tūba”, efter att ha cirkulerat runt världen, nu har dykt upp som vid min egen startpunkt.
Under årens lopp, sedan 2008, då den först installerades under mitt residens på Atelier Calder, har den visats på konstbiennalen i Venedig (Italien), sedan i São Paulo (Brasilien), sedan på Kusmtraum Dornbirn (Österrike) och slutligen i Frankrike, i en av kyrkorna i Bordeaux-regionen.
Detta kommer att bli den 6:e versionen av installationen ”Touba”.
I tidigare intervjuer har du sagt att Plungė bara är din födelseplats.
Det beror på att jag föddes i Plunge och växte upp i Klaipėda, där mina föräldrar fortfarande bor.
Så jag är en samogitian från Plungė, även om jag är en falsk Plungė (skratt). Min mor kommer från Skuodas-distriktet, byn Udrali, nära Mosėdis.
Min far kommer från byn Šiliai i distriktet Šilalė. De träffades i Plungė: min mor undervisade i matematik och min far undervisade i litauiska språket och litteraturen.
När jag fick en inbjudan att arbeta i Plunge insåg jag till min förvåning att jag verkligen var upprymd.
Jag brukade besöka min barndomsvän Laima Baltrūnaitė här. Hon upptäckte konstnären i mig, så att säga.
Hon målade själv i akvarell. Jag brukade besöka henne hela tiden när hon levde, och den här gången ville jag leva, känna staden, flödet av dess liv – det är både intressant och roligt.
Det är som om staden tillhör mig och jag tillhör den. Och jag kan till och med säga att det var mer intressant att arbeta här än i till exempel Tyskland.
Jag litade på Samogitian Museum of Art, jag kände att de skulle tillhandahålla alla nödvändiga förutsättningar för ett bra resultat, och jag tvivlade inte på det.
På Venedigbiennalen uppmärksammade konstkritiker de kopplingar som Tūba gjorde till renässansbyggnaden och jämförde rändernas krusningar med reflektionerna i vattnet som omger Venedig. Vad är viktigt i Plunge – arkitekturen eller personen som går in?
När jag skapar installationer tänker jag först och främst på betraktaren: jag föreställer mig hur han eller hon kommer att röra sig, hur han eller hon kommer att gå, hur han eller hon kommer att se ut…
Dessa saker är viktiga.
Jag skapar inte en speciell, specifik relation till en plats, men när jag tar verket till en specifik plats anpassar jag det alltid beroende på platsen eller arkitekturen, så att installationerna senare liksom ”fångar” vissa associationer. ”Tūba” har i sig en ganska unik egenskap – den knyter an till arkitekturen där den är placerad.
När man går in i Tūba rör man sig i två rum samtidigt – inne i verket och inne i byggnadens arkitektur, och de två rummen är sammanflätade.
Det kanske låter pretentiöst eller obegripligt, men man måste se det med egna ögon för att förstå vad jag menar.
Inne i installationen ser man det som finns utanför: byggnadens väggar, fönstren… I Venedig kunde man till exempel se de gigantiska pelarna i Scuola Grande dela Misericordia, ett renässanspalats, de 11 meter höga taken, de imponerande träöverhängen.
Interiören i São Paulos Galeria Leme dominerades däremot av betong, utan fönster och med ett helt annat intryck av ”Tuba” än i Venedig.
Blicken var förvirrad eftersom det inte fanns något att fokusera på bortom ränderna och det gav intrycket av oändlig rymd; de svarta linjerna blev en abstrakt vibration.
Rymden blev starkt påtaglig men svår att uppfatta eftersom det inte fanns någon utgångspunkt för blicken. Detta framkallade milda balansproblem hos mer känsliga personer.
Jag ville säga ”åskådare”, men i så fall skulle ”deltagare” vara mer passande, eftersom det också fanns en fysisk upplevelse av hela kroppen, orsakad av de visuella formerna och proportionerna.
Verket ser olika ut varje gång, men förhållandet till omgivningen sker av sig självt. Om det finns belysning från sidan kommer ”Tūba” att belysas på ett sätt, om det kommer bakifrån kommer det att belysas på ett annat sätt.
Det är därför det är så intressant för mig att anpassa verket till olika utrymmen, som om jag skapade något nytt varje gång.
Det är sant att Plunge har den längsta ”Tūba” av alla de som installerats hittills – inte 25 eller 28, som det brukade vara, utan hela 30 meter.
Den totala längden på installationen med struktur är 32 meter. Alla andra proportioner är desamma, men byggnadens arkitektur är annorlunda och installationen ser ännu annorlunda ut. ”Tūba är som en bläckfisk, som alltid anpassar sig till sin omgivning och smälter in i den.
Varifrån kommer dina idéer?
Många saker kommer från konsthistorien. Senare blir vissa konstnärer eller deras idéer min utgångspunkt.
Dessa referenser är olika. Ibland inspirerar de dig, men du kopierar dem inte, det finns en slags dialog. Om till exempel Richard Serra gjorde fysiskt mycket svåra verk vill jag göra tvärtom – det skapar en dialog.
Till exempel Flux, som jag visar i ett angränsande rum – där finns en piedestal som en skulptural presentationsidé, men själva verket är kinetiskt.
De kinetiska verken är en dialog med hela historien av kinetiska verk, som Alexander Calder eller Jean Tignuely, men i mina verk hittar du mer av en överraskning – remsorna fladdrar runt organiskt, utan några repetitiva mekaniska rörelser.
Det är intressant för mig att följa en viss konstriktning och göra saker annorlunda, att interagera med idéer som redan är accepterade i konstvärlden.
Jag använder dem för att göra något annorlunda, jag är intresserad av fenomenologiska förnimmelser.
Man måste vara utbildad för att kunna se en dialog med andra konstnärer, för att kunna känna igen dem.
Men det är lika viktigt att människor som inte har studerat konst tycker om mina verk.
När jag ser en elektriker eller en säkerhetsvakt gå förbi, ett barn som stannar till vid mitt verk och tittar på det, då vet jag att det påverkar dem.
Och hur uppnår du en viss uttrycksform? När tar verken form?
En idé kan falla från himlen, men den kommer inte att vara din. Du måste fortfarande vårda den, som en planta, för att få den att mogna till ett slutresultat.
Därför måste en konstnär arbeta i ateljén eller följa idéernas utveckling för att starta en process som så att säga tar dig vidare. Senare ser man från vilka verk det kommer nya idéer, förändringar.
Om konstnären inte rör sig framåt upprepar han bara sig själv, det är allt.
Den tekniska precisionen i ditt arbete skulle vara utom räckhåll för många konstnärer. Gillar du matematik?
Jag har aldrig gillat formler, teorem, kalkyl… Min mamma var matematiklärare, och enligt henne lärde jag mig bara matematik som en artighet. Det var för torrt för mig. Ironiskt nog klarar jag mig inte utan matematik och fysik i mitt arbete, men jag kallar det ”intressant fysik”. Jag är intresserad av tanken på perfektion och precision, men det betyder inte att mitt arbete är exakt. Tvärtom lyckas jag bara ge intryck av att de är just det.
Det finns en inre logik i verken, och de matematiska beräkningarna och fysiken är bara verktyg.
Jag försöker inte kombinera konst med vetenskap, och jag sitter inte vid ett bord med en penna i handen och en miniräknare, jag bara experimenterar.
Jag gör många experiment – det är kanske där min semitiska envishet kommer in. Sedan fixar jag proportionerna – fläkthastigheten, längden på remsan…
Jag tycker att konst ska vara levande. När det finns en viss mängd energi i verket uppstår det en relation mellan verket och betraktaren.
Är det rättvist att säga att dina till synes spontant rörliga, skimrande verk i själva verket är resultatet av noggranna överväganden?
Verket utformas alltid i ateljén, och jag installerar det först i utställningslokalen. Ateljén är min plats för skapande, medan jag i ett galleri eller annan utställningslokal bara arbetar som en arbetare som förverkligar idén.
Men det finns också en slags kreativ process här – hur man gör så gott man kan under de omständigheter man får. I Plunge var jag till exempel tvungen att lägga heltäckningsmatta i hela hallen på stuteriet, för innan dess var det ett gymgolv.
Och för Flux-installationen installerade museet specialbelysning eftersom rummet aldrig tidigare hade använts för en utställning. Jag tycker att båda rummen var perfekta för båda verken.
Ytterligare en aspekt är att installationerna inte är målningar eller traditionella skulpturer, de försvinner efter utställningen, de bara försvinner.
Precis som i en dramateaterföreställning lever uppsättningen så länge föreställningen pågår.
Efter utställningen kommer ”Tūba” att demonteras och inte längre vara ett konstverk. Endast dess idé, intryck, minnen och fotografier kommer att finnas kvar. Illusionen här är att mitt arbete finns över hela världen. Nej, det är det inte. Det finns några få föremål som finns kvar, men de kinetiska verk som jag har gjort med film är bara ett koncept, de existerar medan utställningen pågår. De är som en blixt – i en del av världen, i en annan…
Jag tror att det är det som gör dem så fascinerande. De här verken kommer aldrig att bli gamla, de kommer aldrig att samla damm.
När folk kommer till utställningen kan de uppleva dem, de kan titta på dem, medan andra bara ser fotografierna eller videon senare, och det är ett helt annat tillstånd för verket. Det är som att läsa en beskrivning av en maträtt i stället för att faktiskt smaka på den.
Får jag fråga dig direkt – har dina kreativa drömmar gått i uppfyllelse?
När jag var student hade jag som mål att skapa verk som skulle vara värda ett besök. Det skulle kunna beskrivas som ”Upp ur soffan, ta med dig kroppen till en utställning för att uppleva eller förstå något nytt”.
Nuförtiden kan människor förstås få plats med hela världen på sina telefonskärmar, men här i Plunge är båda verken sådana att de måste ses live för att upplevas fullt ut.
Detta är naturligtvis viktigt för alla konstverk, eftersom det inte är samma sak om du ser till exempel Michelangelos Pietà live eller om du tittar på ett fotografi. Jag vill inte jämföra mig själv med klassikerna, det är bara det första exemplet som jag kommer att tänka på.
När det gäller mitt arbete är det kanske ännu viktigare på grund av materialiteten och den rumsliga specificiteten. Betraktarens första möte med verket är oerhört värdefullt för mig.
Så jag har på sätt och vis uppnått dessa eller andra liknande mål, men å andra sidan har det inte förändrat någonting – de flesta människor är fortfarande mer benägna att titta på sin telefon än att gå på en utställning och se den live.
Men det är okej, låt mitt arbete vara till för dem som kommer.
Tack för ert uppriktiga samtal. Läsarna påminns om att Ž. Kempinas verk ”Tūba” och ”Flux” endast kan ses fram till den 18 augusti 2024. Museet för samogitisk konst i Plungė.
